Where the Landscape Ends
Where the Landscape Ends es un festival de cine que explora la relación entre los humanos y el medio ambiente en el marco del extractivismo capitalista y de las historias coloniales aún vigentes. El programa busca problematizar la dicotomía humano/naturaleza a través de la mirada de diferentes cineastas.
Where the Landscape Ends se despliega en la intersección entre la explotación ambiental y las historias coloniales, así como las cuestiones de género, raza, migración y trabajo. El festival investiga las condiciones históricas responsables de la crisis climática actual y de sus consecuencias desiguales para las distintas poblaciones.
¿De qué manera las concepciones dominantes de la «naturaleza» y de la relación con el medio ambiente han sido producidas por una lógica colonial y capitalista? ¿Cómo están enredadas las ciencias naturales en el colonialismo? ¿Qué intereses extractivistas se esconden en la disciplina de la geología? Estas y otras preguntas encuentran perspectiva en la programación del festival.
Where the Landscape Ends proyectará las películas de Sanaz Sohrabi, Marina Resende Santos y Vincent Jondeau, Lisa Rave, Bo Wang y Pan Lu, Sybille Neumeyer, Raúl Silva Cuevas y Tian Guoxin.
Financiado por el Projektfonds Kulturförderung Friedrichshain-Kreuzberg.
Scenes of Extraction
de Sanaz Sohrabi
Scenes of Extraction crea una constelación de archivo con las imágenes fijas y en movimiento de los British Petroleum Archives, que documentan la extensa red colonial que sostenía el complejo energético británico, desplegada por Irán pero que alcanzaba también otras operaciones petrolíferas británicas en el Sudeste Asiático. La película recorre décadas de documentos de archivo para desentrañar la historia visual del método de la «sismografía de reflexión» para la exploración petrolífera, que se probó intensamente en toda la franja petrolera iraní a pesar de su carácter destructivo y de sus resultados inciertos. Scenes of Extraction desentraña la relación entre la economía política de la fotografía, las tecnologías de archivo y la historia visual de la extracción de recursos en Irán.
Sanaz Sohrabi es investigadora de cultura visual y artista cineasta. Sus obras se han mostrado ampliamente en exposiciones y festivales de cine como Berlinale Forum Expanded, International Film Festival Rotterdam, IndieLisboa, Valdivia International Film Festival (Chile), Sheffield Doc/Fest, DocLisboa, Asian Art Biennial 2024, Ljubljana Biennial 2023, Block Museum (Chicago), Moderna Museet (Estocolmo), SAVVY Contemporary (Berlín), VOX Centre de l'image contemporaine (Montreal) y Carpintarias de São Lázaro (Lisboa). Sohrabi es exalumna de la Skowhegan School of Painting and Sculpture y de RAW Académie. Es profesora ayudante en el Departamento de Estudios de Comunicación de la Concordia University, donde imparte cursos sobre economía política de las imágenes, historias y teorías de la fotografía e investigación artística.
Wild Relatives
de Jumana Manna
En lo más profundo de la tierra, bajo el permafrost ártico, se guardan semillas de todo el mundo en la Svalbard Global Seed Vault, como copia de seguridad por si sucediera un desastre. Wild Relatives parte de un acontecimiento que despertó el interés mediático en todo el mundo: en 2012, un centro internacional de investigación agrícola se vio obligado a trasladarse de Alepo al Líbano por la revolución siria convertida en guerra, y comenzó el laborioso proceso de plantar su colección de semillas a partir de las copias de seguridad de Svalbard. Siguiendo el camino de este intercambio de semillas entre el Ártico y el Líbano, una serie de encuentros despliega una matriz de vidas humanas y no humanas entre estos dos puntos distantes de la Tierra. La película capta la articulación entre esta gran iniciativa internacional y su aplicación local en el valle de la Becá, en el Líbano, llevada a cabo principalmente por mujeres migrantes jóvenes. Su ritmo meditativo va desvelando con paciencia las tensiones entre el Estado y el individuo, entre los enfoques industriales y orgánicos de la conservación de semillas, y entre el cambio climático y la biodiversidad, vistas a través del viaje de estas semillas.
Jumana Manna es artista visual y cineasta. Su trabajo explora cómo se articula el poder, centrándose en el cuerpo, la tierra y la materialidad en relación con las herencias coloniales y las historias de los lugares. A través de la escultura, el cine y la escritura ocasional, Manna aborda las paradojas de las prácticas de preservación, especialmente en los campos de la arquitectura, la agricultura y el derecho. Su práctica considera la tensión entre las tradiciones modernistas de categorización y conservación y lo indómito de la ruina, la vida y su regeneración. Jumana creció en Jerusalén y vive en Berlín.
Miasma, Plants, Export Paintings
de Wang Bo y Pan Lu
El devastador clima tropical provocó un intenso miedo y ansiedad en las tropas británicas estacionadas en Hong Kong tras las guerras del opio. El mito decimonónico del miasma, el aire malo, relacionaba las enfermedades epidémicas con el aire, el entorno y la raza, y más tarde ayudó a consolidar la segregación vertical en la isla de Hong Kong. Los esfuerzos de aclimatación avanzaron al ritmo de la expansión del Imperio Botánico Británico, una red global de investigaciones científicas sobre plantas que hacía circular no solo especímenes botánicos, sino también imágenes creadas con fines de estudio. En el caso particular de Cantón, en el sur de China, se encargaron pinturas de plantas a artistas comerciales locales. Esta obra examina la peculiar dinámica entre imperialismo, investigación científica, raza y derecho a mirar en la Cantón del siglo XIX.
Bo WANG es artista, cineasta e investigador y vive en Ámsterdam. Sus obras se han exhibido internacionalmente, entre otros lugares en el Guggenheim Museum y el MoMA, el Garage Museum, el International Film Festival Rotterdam, CPH:DOX, Visions du Réel, LUX y Open City Documentary Festival, la Seoul Mediacity Biennale y DMZ Docs, y el Sharjah Film Platform. Ha recibido importantes premios internacionales, entre ellos New:Vision en CPH:DOX, la Paloma de Oro en DOK Leipzig, el premio O.F.F. de Sesc_Videobrasil o el de mejor cortometraje documental en el Sharjah Film Platform. Obtuvo una beca del Robert Flaherty Film Seminar en 2013 y fue artista residente en la Rijksakademie de 2017 a 2018, así como en el NTU Centre for Contemporary Art Singapore en 2016. Es doctorando en la ASCA de la Universidad de Ámsterdam y actualmente da clases en LUCAS, Universidad de Leiden.
PAN Lu es profesora titular en el Departamento de Historia y Cultura China de la Hong Kong Polytechnic University. Es autora de tres monografías: In-Visible Palimpsest: Memory, Space and Modernity in Berlin and Shanghai (2016), Aestheticizing Public Space: Street Visual Politics in East Asian Cities (2015) e Image, Imagination and Imaginarium: Remapping World War II Monuments in Greater China (2020). Es editora jefa de The 70's Biweekly: Social Activism and Alternative Cultural Production in 1970s Hong Kong (2023) y de The (Im)possibilities of Art Archives: Theories and Experience in/from Asia (2024). Como cineasta, codirigió con Bo Wang Many Undulating Things (2019), Miasma, Plants, Export Paintings (2017) y Traces of an Invisible City: Three Notes on Hong Kong (2016), y con Yu Araki Anachronic Chronicles: Voyages Inside/Out Asia (2021). Fue una de las comisarias de la Kuandu Biennale, Taipéi, 2018.
souvenirs entomologiques #1: odonata/ weathering data
de Sybille Neumeyer
„souvenirs entomologiques #1: odonata/ weathering data“ explora los enredos entre humanos, clima e insectos en un mundo dominado por los datos. Sigue a las libélulas a múltiples escalas en el tiempo y el espacio: de su pasado geológico a futuros inciertos, de los ecosistemas a las colecciones de los museos, de mundos meteorológicos encarnados a nubes de datos desligadas, mientras múltiples identidades de los insectos son mediadas, moldeadas y remoldeadas por modos de cartografiar, monitorizar y coleccionar que coevolucionan.
Al borde de extinciones de la diversidad biocultural, y situado en el nuevo régimen climático, el ensayo en vídeo, de carácter especulativo, traza la metamorfosis de un banco de datos en una red que colecciona de forma consciente: al detener las acumulaciones monológicas de datos, abre espacio de memoria a otros saberes, valores culturales, historias coloniales y futuros eco-lógicos. Mientras las ontologías basadas en datos prometen medidas para anticipar y controlar el futuro, la recuperación de saberes eco-lógicos tradicionales replantea la observación como una práctica de cuidado.
El ensayo en vídeo explora de forma crítica el papel de los museos de ciencias, las prácticas modernas de datos que surgen de pasados coloniales y las repercusiones de las infraestructuras de conocimiento digital sobre las ecologías, a la vez que recupera a los insectos como entidades bioculturales y sus sensorios como recordatorio de un saber meteorológico encarnado.
Sybille Neumeyer (con base en Berlín) es una artista interdependiente centrada en las cuestiones medioambientales y las relaciones eco-lógicas. Su trabajo se basa en la investigación posdisciplinar y la colaboración. A través de la narración (de historias y de historia) polifónica, instalaciones, paseos, conferencias performativas y ensayos en vídeo, Neumeyer examina las comunidades terrestres, los metabolismos planetarios y las atmósferas más que humanas. En una investigación en curso examina las alfabetizaciones climáticas, los mundos meteorológicos multiespecie y las prácticas de datos. Sus obras se han presentado en LABoral (Gijón), el Heidelberger Kunstverein, la Charité de Berlín, Art Laboratory Berlin, Onassis Stegi, el EXiS Film Festival de Seúl, la Kunsthaus Dresden, el ZKM de Karlsruhe y el DESY de Hamburgo, el Konstmuseet i Skövde, entre otros. Su investigación ha contado con el apoyo y el alojamiento de instituciones culturales y científicas como el departamento «Humanities of Nature» del Museum für Naturkunde Berlin, el RIFS (Research Institute for Sustainability, antes IASS), la Jan van Eyck Akademie, el proyecto europeo Taking Care, la Akademie Schloss Solitude, entre otras. Actualmente es investigadora posdoctoral en el Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Sciences de la Universität der Künste de Berlín.
628 Years of Potatoes
de Marina Resende Santos y Vincent Jondeau
Un solar urbano abandonado en un barrio pobre de Berlín se convierte en el escenario de la insólita búsqueda de una joven. Descuidado durante años por el precio exorbitante que pide su propietario, el terreno se transforma cuando la joven planta patatas, acompañada por los niños del barrio. A medida que se conecta con la tierra, ella emprende una investigación poética sobre su valor.
Marina Resende es artista, editora e investigadora y vive en Berlín. Su trabajo aborda los problemas sin resolver de la convivencia entre personas, tecnologías y la llamada naturaleza, a menudo en espacios públicos, con estrategias como la parodia, los gestos conceptuales y las intervenciones en el terreno. Marina estudió literatura comparada y teoría crítica en la University of Chicago y tiene un máster en Raumstrategien por la Kunsthochschule Weissensee. Además de acciones en espacios públicos y ocupados, Marina ha presentado su trabajo en espacios como Defibrillator, Gallery 400, The Franklin, la Chicago Architecture Biennial (Chicago), Materials and Applications (Los Ángeles), el Eiermannbau (Apolda), HAU, el Künstlerhaus Dortmund, el Kunstenfestival Watou (Bélgica) y la Galerie Bernau, entre otros, y ha participado en residencias e intercambios por invitación en los Berliner Festspiele, de Appel, HELLERAU y ACRE. Ganó el Mart Stam Preis 2024 y el primer premio de la categoría «Medio ambiente» en el festival de cine ImagéSanté (Lieja) por su obra 628 Years of Potatoes. Actualmente imparte docencia a través de proyectos de investigación en el Institut für Architektur de la TU Berlin.
Vincent Jondeau es cineasta y artista y vive en Berlín. Tras una primera licenciatura en ciencias humanas, completó un doble máster en artes mediáticas en la Universidad de París VIII, seguido de formación adicional en fotografía en la Ostkreuzschule de Berlín. A través de métodos híbridos y colaboración interdisciplinar, explora formas ecológicas de narración descentrando la mirada humana e incorporando la perspectiva y la memoria de los seres vegetales. Su trabajo se ha mostrado en lugares como el Kunstquartier Bethanien y la Biennale Photo Mulhouse 2024 —donde apareció en la portada del catálogo—, así como en festivales de cine como la Regensburg Short Film Week e Imagésanté en Lieja, entre otros. Junto a su práctica artística, trabaja como archivista en la conservación del patrimonio artístico, con instituciones como las fundaciones Wim Wenders y Alfred Ehrhardt.
Europium
de Lisa Rave
Mediante distintos niveles de imagen, el ensayo fílmico Europium traza conexiones entre el pasado colonial de Papúa Nueva Guinea y la prevista extracción de materias primas del mar de Bismarck. La película teje un relato en torno al elemento de las tierras raras europio: nombrado en honor al continente europeo, el material se extraerá del fondo oceánico para garantizar la brillantez de las imágenes en las pantallas de los teléfonos inteligentes y otras pantallas planas y, por supuesto, por su propiedad fluorescente, que se utiliza para garantizar la autenticidad de los billetes de euro. La película describe este hecho aparentemente trivial como un retorno y una repetición de la historia, señalando así no solo la complejidad de la cultura humana, de sus economías y sistemas de intercambio, sino también dejando al descubierto los fantasmas invisibles del pasado tal como aparecen en los objetos modernos de nuestras vidas. (Philipp Kleinmichel)
Nacida en Guildford (Reino Unido), Lisa Rave vive y trabaja en Berlín. En su obra cinematográfica y fotográfica, Rave investiga a menudo los legados coloniales y los patrones repetitivos de la historia en la compleja interacción entre cultura, economía y ecología. Entre sus proyecciones y exposiciones figuran The Ecologies of Peace (Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba, Colombia), Climate Crisis Cultural Loss (Ocean Space, Venecia), Mining Photography (Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo), Circular Flow (Kunstmuseum Basel) o face value (transmediale, Haus der Kulturen der Welt (HKW), Berlín). Recientemente participó en la Climate Action Artist Residency en Samoa, financiada por el Ministerio Federal de Asuntos Exteriores de Alemania.
Catch the living manners as they rise
de Raúl Silva Cuevas
En 1851, Perú financió la construcción de la primera línea ferroviaria de pasajeros y mercancías de Sudamérica, que unía Lima con el puerto del Callao. Símbolo de desarrollo e identidad nacional, el proyecto marcó el inicio de la construcción de una extensa red de conexiones ferroviarias que, en los años siguientes, agilizaría y ampliaría el mercado dentro y fuera del país.
El sistema económico estaba transitando hacia un modelo capitalista y el país se había alineado con una visión de progreso y modernización, utilizando como garantía un elemento algo insólito: enormes montañas de fertilizante producido por aves, acumuladas en las islas de la costa del Pacífico. Conocido como «guano», este elemento había despertado el interés de las potencias industriales, que lidiaban con un problema de fertilidad del suelo debido, por un lado, a la separación entre las grandes ciudades y el campo y, por otro, al crecimiento de la población obrera. Este intercambio dio a Perú la liquidez que necesitaba para acceder a préstamos, que más tarde atraerían a nuevos inversores y consolidarían nuevas negociaciones con los países industriales, utilizando sus propios recursos naturales como moneda.
Para extraer el guano a mediados del siglo XIX llegaron de China cerca de seiscientos culíes en condición de semiesclavos, y las canteras de guano, que prometían prosperidad y extracción constante durante más de mil años, se agotaron en menos de sesenta. Un sello postal conmemorativo del centenario de la primera ciudad portuaria de Perú ilustra esta relación aparentemente contradictoria entre naturaleza y tecnología. El sello muestra una imagen de la primera línea ferroviaria de Perú y de Sudamérica, decorada a ambos lados con aves guaneras.
En los últimos años, Raúl Silva (Lima, 1991) se ha interesado por cómo la aceleración y el desarrollo del sistema económico han afectado al ecosistema natural y a las formas de socialización y construcción cultural en Perú, conectando estos fenómenos con una serie de causas y efectos relacionados con el contexto global. ¿Cómo han configurado los procesos de modernización una separación entre el campo y la ciudad? ¿Qué procesos logísticos y de producción permanecen invisibles en el imaginario social? ¿Qué imágenes han consolidado la manera en que vemos y entendemos el consumo cotidiano orientado al progreso? En su investigación, Silva analiza la naturaleza ideológica y estética de los archivos que han acompañado estas cuestiones y desarrolla una serie de propuestas visuales, generalmente en forma de obras de vídeo y diseño digital. Además, medios como la pintura, el dibujo o la instalación se han convertido en elementos que acompañan su proceso y sirven como fuente de notas, diagramas visuales o estudios técnicos en reproducción manual.Silva recibió en 2024 los premios Propuestas/Vegap y Secuencias/Vegap (Madrid, España); fue también seleccionado para el programa expositivo Big Tech and Counter-Technologies, organizado por Into the Black Box (Bolonia, Italia). Ha recibido el Premio Generación 2024, concedido por La Casa Encendida y la Fundación Montemadrid; fue artista residente en 2023 en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero (Madrid, España). Entre sus exposiciones recientes figuran Maquina Fusionadora en Stain Projects (Palma de Mallorca, 2025); Naming Natures, Muséum d'histoire naturelle de Neuchâtel (Neuchâtel, Suiza) en 2024; Rayos de sol de Sudamérica, Crisis Galería (Lima, Perú) en 2023; Relatos de un tiempo subvertido, La Parcería en Espacio Cómplices (Madrid, España) en 2023; The coordinates are concealed, Imaginary Z (Hangzhou, China) en 2022; y Circular Gestures, Unanimous Consent (Zúrich, Suiza) en 2022.
This kinda mining is not like mining; This kinda fishing is not like fishing; This kinda living is not like living.
de Tian Guoxin
La película de Tian Guoxin sigue el punto de vista singular de un trabajador de una mina de bitcoin hacia fuera, hacia el modo de vida ecológico, económico y cultural contemporáneo en el río Dadu, en Sichuan (China). La criptomoneda irrumpe en la vida del río, compitiendo por la electricidad de la red y por la mano de obra joven durante la temporada de lluvias. La vida de una especie de pez ya en peligro de extinción se ve aún más perturbada. Una sobrecapacidad de producción hidroeléctrica, conocida como «generación varada» (stranded generation), lleva a la región la mayor densidad de minería de bitcoin y, con ella, a grupos de personas sin rumbo: sin trabajo y a la deriva durante las temporadas bajas del río.
Tian Guoxin nació en Sichuan (China) y vive y trabaja en Berlín. Su práctica multidisciplinar incluye instalación multimedia, escultura y vídeo. Recientemente ha expuesto en n.t.w. (Pekín); KW (Berlín); with the rubbles of old palaces (Berlín); Galerie Der Künstler*Innen (Múnich); y la Kunsthalle Baden-Baden.
